{"id":26017,"date":"2002-05-27T00:00:00","date_gmt":"2002-05-27T00:00:00","guid":{"rendered":"http:\/\/192.168.1.157\/istmo\/?p=26017"},"modified":"2002-05-27T00:00:00","modified_gmt":"2002-05-27T00:00:00","slug":"requiem_por_el_arte","status":"publish","type":"post","link":"https:\/\/dim-id.com\/pruebaentradas2023\/2002\/05\/27\/requiem_por_el_arte\/","title":{"rendered":"R\u00e9quiem por el arte"},"content":{"rendered":"<button class=\"simplefavorite-button has-count\" data-postid=\"26017\" data-siteid=\"1\" data-groupid=\"1\" data-favoritecount=\"0\" style=\"\">Leer despu\u00e9s <i class=\"sf-icon-star-empty\"><\/i><span class=\"simplefavorite-button-count\" style=\"\">0<\/span><\/button><body><p style=\"text-align: right;\"><em>En el arte, el medio m\u00e1s seguro para tener raz\u00f3n es estar muerto.<\/em><\/p>\n<p style=\"text-align: right;\"><em> <\/em><\/p>\n<p style=\"text-align: right;\">\n<\/p><p style=\"text-align: right;\"><strong>V\u00cdCTOR HUGO <\/strong><\/p>\n<p class=\"subtit\">\n<\/p><p class=\"subtit\"><strong>LO DESAGRADABLE DEL SIN SENTIDO<\/strong><\/p>\n<p>Cierto verano en Par\u00eds, visit\u00e9 con un buen amigo el Centre Georges Pompidou. No dejaba de ilusionarme el encuentro con ciertas piezas exhibidas ah\u00ed. Si bien el estatuto art\u00edstico de algunas pod\u00eda resultar cuestionable, su valor hist\u00f3rico bastaba para llamar mi atenci\u00f3n. Disfrut\u00e9 esa visita. Mi amigo no. Se preguntaba si en verdad unos lienzos pintados de verde y azul, si unas rayas negras sobre un lienzo blanco, o una instalaci\u00f3n el\u00e9ctrica sobre la pared, merec\u00edan estar en un museo como si fuesen verdaderos productos de un genio creativo.<br>\nA\u00f1os despu\u00e9s la escena se repet\u00eda, esta vez en el Guggenheim de Nueva York. Mi acompa\u00f1ante estaba molesto. Los empastes sobre el lienzo, los manchones sin direcci\u00f3n ni sentido, le parec\u00edan muy desagradables. Prefiri\u00f3 esperar en la tienda del museo. En ese entonces me interesaba sobremanera la pintura norteamericana de los a\u00f1os treinta. Tard\u00e9 en salir. Mi colega, desesperado, me cuestion\u00f3 sobre lo art\u00edstico de aquellos lienzos. Discutimos. Lo \u00fanico que conclu\u00ed es que la pintura abstracta era un fen\u00f3meno al que hab\u00eda que prestar atenci\u00f3n.<br>\nDespu\u00e9s de un a\u00f1o escribiendo notas en borrador sobre pintores abstractos, en especial sobre el pintor norteamericano Jackson Pollock, me convenc\u00ed de su propuesta est\u00e9tica. Regres\u00e9 a Nueva York y pas\u00e9 una ma\u00f1ana entera mirando cuadros y releyendo mis notas. Esta vez mi acompa\u00f1ante era una estudiante de Humanidades de NYU, con fuertes inquietudes art\u00edsticas. Le comentaba mis impresiones sobre la fuerza expresiva de Pollock, su enorme capacidad para romper con la pintura formal y mostrar el lenguaje de los colores y las texturas al desnudo. Su pintura es una valoraci\u00f3n de la autonom\u00eda del colorido.<\/p>\n<p class=\"subtit\"><strong>EXISTE O NO EXISTE<\/strong><\/p>\n<p>Hace apenas dos a\u00f1os, Ed Harris tuvo la brillante idea de filmar una pel\u00edcula sobre la vida de Pollock; uno de los pintores estadounidenses m\u00e1s importantes y representativos del arte contempor\u00e1neo, pol\u00e9mico y poco comprendido.<br>\nLa pel\u00edcula relata la trayectoria del pintor. De ser un pobre artista sin estilo definido, pas\u00f3 a una gran figura que ocup\u00f3 las portadas de las revistas de arte m\u00e1s prestigiadas, en 1949 Life lo present\u00f3 como el pintor m\u00e1s importante de Am\u00e9rica y cr\u00edticos tan conocidos e influyentes como Greenberg lo consideraron definitivo en la historia del arte. Finalmente, despu\u00e9s de una conflictiva vida personal, en 1956 muri\u00f3 en un accidente automovil\u00edstico cuando conduc\u00eda en estado de ebriedad con dos de sus amantes.<br>\nPoco despu\u00e9s de 1947, Pollock descubri\u00f3 una nueva manera de hacer pintura. Los cr\u00edticos y conocedores miraron unos lienzos que no hab\u00edan sido tocados por el pincel. Pollock solamente arrojaba, salpicaba, goteaba y hac\u00eda charcos de pigmento. Con ello, invent\u00f3 los denominados cuadros drip (de goteo).<br>\nEl impacto que ocasion\u00f3 este nuevo modo de pintar escandaliz\u00f3 a la mayor\u00eda de la gente que vio expuestos los cuadros en 1948. Pollock pas\u00f3 a ser tan conocido como los espectaculares Picasso y Dal\u00ed. Varios cr\u00edticos se asombraron con el colorido, dinamismo y originalidad de los lienzos, y Pollock se volvi\u00f3 el h\u00e9roe que revitaliz\u00f3 la pintura abstracta.<br>\nHoy son muchos los espectadores que ignoran si algo espec\u00edfico debe admirarse en esos cuadros tan complejos y en apariencia ca\u00f3ticos. El espectador habituado al naturalismo o a las representaciones de algo concreto mira manchas insignificantes y en muchas ocasiones le sacan de quicio.<br>\nToda la primera mitad del siglo XX est\u00e1 marcada por innovaciones art\u00edsticas controvertidas para la mirada cr\u00edtica y los espectadores: en 1913 Duchamp erigi\u00f3 el primer ready-made (objeto de arte ya hecho y firmado) y Malevitch declar\u00f3 que la \u00fanica direcci\u00f3n que el arte pod\u00eda tomar era la del cubismo futurista, en 1922 los dada\u00edstas festejaron en Berl\u00edn el fin del arte (\u00abEl arte no existe, es in\u00fatil cantar\u00bb) y los artistas de Mosc\u00fa declararon que la pintura de caballete pertenec\u00eda a una sociedad caduca, en 1924 los surrealistas declararon que el \u00fanico rumbo posible para el arte era el psicoanal\u00edtico, para 1940 los Estados Unidos marcaban la pauta vanguardista y todo era arte abstracto. R\u00e1pidamente, el p\u00fablico comenz\u00f3 a polemizar sobre el estatuto art\u00edstico de esas manifestaciones. Parec\u00eda que el arte llegaba a su fin y que no se ver\u00eda nunca m\u00e1s una obra capaz de despertar nuestra emoci\u00f3n est\u00e9tica desde su belleza.<\/p>\n<p class=\"subtit\"><strong>ANTES DEL FIN<\/strong><\/p>\n<p>En 1984 aparecieron dos ensayos referidos al \u00abfin del arte\u00bb. Por una parte, el historiador alem\u00e1n Hans Belting publicaba un texto sobre el tema, sospechando que se hab\u00eda suscitado un cambio hist\u00f3rico relevante en la producci\u00f3n de las artes visuales [1] . Por otra, un breve ensayo, la semilla de un libro publicado m\u00e1s tarde, del fil\u00f3sofo y cr\u00edtico de arte norteamericano Arthur C. Danto [2] .<br>\nAmbos intentaban referirse a la muerte del arte y, sin embargo, Danto fue incapaz de aventurar tal consigna lapidaria. Por su influencia hegeliana, pudo percatarse de que estaba, m\u00e1s bien, siendo testigo del nacimiento de otro tipo de conciencia art\u00edstica y que, por tanto, la apreciaci\u00f3n de las obras estaba cambiando. Precisamente Pollock fue un personaje representativo en este cambio. Tal variaci\u00f3n de la creaci\u00f3n art\u00edstica oblig\u00f3 a replantear el papel de los cr\u00edticos.<br>\nPara Danto, hablar del fin del arte significa que la cr\u00edtica necesita replantearse muchos aspectos tradicionales. Ya no es l\u00edcita la aproximaci\u00f3n exclusivamente hist\u00f3rica, ni tampoco enjuiciar declarando la superioridad de algunas obras sobre otras. El tema se ha vuelto un punto de reflexi\u00f3n filos\u00f3fica. El arte moderno, el contempor\u00e1neo y el posmoderno condujeron a la pregunta por la esencia del arte. El verdadero cr\u00edtico de arte se est\u00e1 enfrentando a la pregunta crucial: \u00bfqu\u00e9 es arte?<br>\n\u00c9sta, en efecto, es una pregunta filos\u00f3fica porque se cuestiona por la naturaleza de algo. Fue el arte moderno el que deton\u00f3 la pregunta. El arte cl\u00e1sico, el naturalismo, las concepciones acad\u00e9micas de la pintura, no requer\u00edan abordar ese problema. Cuando la creaci\u00f3n art\u00edstica se revel\u00f3 contra el academicismo y lo mim\u00e9tico, los espectadores se volcaron hacia un estado de consternaci\u00f3n.<br>\nActualmente, nadie se pregunta si las pinturas de Rembrandt o Vel\u00e1zquez son obras de arte. En cambio, varios trabajos de Picasso, los experimentos de T\u00e1pies o los goteos de Pollock confrontan al espectador: \u00bfeso es arte? Quiz\u00e1. Un arte sumamente conceptual y por tanto capaz de presentarse sin inter\u00e9s alguno por gustar al espectador. No obstante, \u00e9ste sigue ah\u00ed: mirando, tratando de comprender. Ahora, est\u00e1 obligado a especular. El arte del \u00faltimo siglo puso el sentimiento en segundo t\u00e9rmino y opt\u00f3 por un acercamiento intelectual.<\/p>\n<p class=\"subtit\"><strong>UNA NUEVA FORMA DE HACER CR\u00cdTICA<\/strong><\/p>\n<p>\u00bfEstamos dispuestos a diagnosticar lo sucedido en el mundo art\u00edstico a lo largo del siglo XX? Lo que puede mirarse en estos d\u00edas dentro o fuera del museo, y se considera como arte, se ha convertido en uno de los temas m\u00e1s pol\u00e9micos.<br>\nSi nos remont\u00e1semos al siglo XVIII, las mismas reacciones de rechazo o incertidumbre pasaban por los espectadores de las nuevas est\u00e9ticas de lo sublime, lo terror\u00edfico y lo pintoresco. Muchos son los ensayos publicados en aquel siglo. Pi\u00e9nsese por ejemplo en Los placeres de la imaginaci\u00f3n de Joseph Addison o en la Indagaci\u00f3n filos\u00f3fica sobre el origen de nuestras ideas acerca de lo sublime y de lo bello de Burke. Lo que la mayor\u00eda de los te\u00f3ricos del arte anunciaban, era la ruptura con el arte tradicionalista, con los viejos modos de entender la belleza bajo par\u00e1metros relacionados con la proporci\u00f3n, la armon\u00eda y la mimesis naturalista.<br>\nEl siglo XVIII fue muy significativo para la est\u00e9tica. Entre muchas otras cosas, porque aparecieron nociones como el gusto, el genio y la autonom\u00eda del arte, que sin duda marcaron la actividad art\u00edstica de los siglos posteriores. La subjetividad del gusto contribuy\u00f3 a ampliar nuestras experiencias est\u00e9ticas: lo bello, lo sublime, lo pintoresco, lo terror\u00edfico, lo c\u00f3mico.<br>\nPor primera vez, los artistas dejaron de considerarse artesanos o conocedores de una t\u00e9cnica manual. Se enfatizaba, m\u00e1s bien, su capacidad innovadora e intuitiva originada por un don natural. El artista se liberaba de reglas, c\u00e1nones y par\u00e1metros convencionales, se deslindaba por completo de cualquier pretexto moral, pedag\u00f3gico o cualquier otro que exigiera emitir juicios que no fuesen est\u00e9ticos. As\u00ed se configuraba el arte moderno. Los \u00e1nimos de los rom\u00e1nticos alemanes por impulsar la actividad art\u00edstica como la \u00fanica salvaci\u00f3n para la humanidad se enfrent\u00f3 en corto tiempo a sus opositores. Entre ellos, Hegel.<br>\nEs verdad que el arte actual abre como nunca una saga de problemas incalculables. Tambi\u00e9n es cierto que tal vez las obras son complejas, elitistas, a veces fraudulentas. En este siglo reci\u00e9n iniciado, las artes son un fen\u00f3meno sorprendente al que muchos estudiosos se han acercado desde distintas perspectivas: sociol\u00f3gica, pedag\u00f3gica, hist\u00f3rica, incluso moralista. No obstante, ninguna afronta la pregunta crucial: \u00bfqu\u00e9 es el arte?<br>\nEl arte contempor\u00e1neo y el posmoderno nos han obligado a replantear por completo la naturaleza del arte. Se extra\u00f1a en estos d\u00edas una est\u00e9tica lo suficientemente audaz como para nutrirse de la tradici\u00f3n y arriesgarse al di\u00e1logo, el an\u00e1lisis y el enfrentamiento con los fen\u00f3menos del arte actual. Un peque\u00f1o intento por hacerlo obliga a delinear y perfilar uno de los problemas m\u00e1s referidos en el debate contempor\u00e1neo: \u00bfvivimos en la era del fin del arte? La respuesta involucra aspectos hist\u00f3ricos y filos\u00f3ficos.<br>\nEl t\u00e9rmino \u00abfin del arte\u00bb tiene un \u00fanico antecedente: Hegel. \u00c9l habl\u00f3 del \u00abcar\u00e1cter pret\u00e9rito\u00bb del arte como si la expresi\u00f3n art\u00edstica hubiese caducado hist\u00f3ricamente. Este fil\u00f3sofo tambi\u00e9n es la referencia obligada para comenzar la reelaboraci\u00f3n de la est\u00e9tica. Sus Lecciones sobre Filosof\u00eda del arte, dictadas por \u00faltima vez en el invierno de 1828-1829, son el \u00faltimo intento por comprender la naturaleza del arte. Al mismo tiempo, Hegel es capaz de referirse a la escultura, arquitectura, pintura, m\u00fasica, poes\u00eda e incluso a cada cultura hasta sus contempor\u00e1neos, los rom\u00e1nticos.<br>\nSu tesis, enunciada de manera simplista, es la siguiente: el arte intenta expresar la verdad del hombre porque desde siempre todas las culturas lo han utilizado para representar sus concepciones m\u00e1s \u00edntimas de lo divino y lo humano; con el romanticismo el arte alcanz\u00f3 su l\u00edmite, pues esos artistas, los m\u00e1s influyentes en el arte moderno, encarnaron la conciencia moderna cuyos ideales no consisten en ensayar una mimesis de lo natural. La conciencia moderna es idealista en el sentido inmediato de la palabra. En palabras simples, se muestra poco satisfecha con el mundo tal y como es, por ello se compromete a inventar uno nuevo. Eso es el arte rom\u00e1ntico y moderno: la invenci\u00f3n de otro mundo, el art\u00edstico.<\/p>\n<p class=\"subtit\"><strong>EL PASADO DEL ARTE<\/strong><\/p>\n<p>Al interior de la concepci\u00f3n hegeliana del arte subyace la idea de su muerte o, para ser precisos, del \u00abpret\u00e9rito del arte\u00bb. Vayamos por partes. La actividad art\u00edstica es el acto en donde los humanos muestran el ejercicio inmediato de su libertad. Por ello, a lo largo de la historia el arte es tan cambiante, inestable, novedoso, muere y vuelve a rejuvenecer, es capaz de dar a luz en los momentos de radical esterilidad. La libertad humana es as\u00ed: indecisa, multidireccional, errante y jam\u00e1s encuentra \u00e6salvo en casos de suma ingenuidad\u00e6 algo que se le presente con necesidad y permanencia absolutas.<br>\nEn otras palabras, el arte no es, piensa Hegel, la forma m\u00e1s adecuada para satisfacer nuestra necesidad suprema. Con ello, este fil\u00f3sofo mantiene una postura radicalmente opuesta a la del romanticismo alem\u00e1n y, adem\u00e1s, a la de la mayor parte de los movimientos art\u00edsticos de los siglos XIX, XX y XXI, que ven en el arte la \u00fanica posibilidad para la salvaci\u00f3n humana.<br>\nPara Hegel, el arte es tan s\u00f3lo el inicio de los intentos por los que el esp\u00edritu humano busca vislumbrar una realidad m\u00e1s all\u00e1 de su finitud. Sin embargo, tiene un grave inconveniente: su dependencia de la realidad sensible. Todo arte est\u00e1 sujeto a lo sensible y pretende sobreponerse a ello. Basta como prueba darnos cuenta que el colorido de una pintura, la armon\u00eda musical y las palabras de un poema, est\u00e1n dirigidas al esp\u00edritu.<br>\nEn otros t\u00e9rminos, el placer est\u00e9tico no es el placer corporal que experimentamos al degustar una buena comida o darnos un tiempo de receso en la ba\u00f1era. Lo que quiero decir, es que los placeres que brinda la apreciaci\u00f3n de las obras de arte nos ponen en contacto con algo meta-f\u00edsico. De ah\u00ed que tantas personas miran en la apreciaci\u00f3n est\u00e9tica una actividad espiritual. Lo dram\u00e1tico es que lo sensible nunca estar\u00e1 superado del todo. Y el romanticismo se dio cuenta de la imposibilidad de esa superaci\u00f3n: su conciencia se desgarr\u00f3.<br>\nEn este contexto rom\u00e1ntico aparece el planteamiento del pret\u00e9rito del arte. No quiere decir que haya muerto, sino que forma parte del pasado. Es muy posible que nunca deje de hacerse arte. Lo que Hegel quiere decir al plantear su ausencia de verdad y vitalidad, es que los acontecimientos culturales de la modernidad \u00e6del siglo XVIII en adelante\u00e6 ya no representan ni muestran las permanentes relaciones entre el hombre y la cultura. Debido a que hay nuevos y poderosos generadores de cultura, como el ejercicio pol\u00edtico, el arte se reduce a una mera posibilidad l\u00fadica.<br>\nDetr\u00e1s de esta tesis hegeliana se asoma una problem\u00e1tica filos\u00f3fica: cuando el arte pierde su estatuto metaf\u00edsico y se reduce a una mera manifestaci\u00f3n cultural, una posibilidad determinada por el contexto hist\u00f3rico, pierde entonces su car\u00e1cter de permanencia. Nosotros podemos entender mucho mejor el planteamiento si pensamos en c\u00f3mo las vanguardias art\u00edsticas del siglo XX intentaron romper con la tradici\u00f3n cultural, en c\u00f3mo resaltaron con may\u00fasculas la noci\u00f3n de novedad y c\u00f3mo sus manifestaciones se traducen en un intento por sobreponerse a las determinaciones de la historicidad.<br>\nSi el arte est\u00e1 determinado por la historicidad, resulta in\u00fatil la pregunta metaf\u00edsica por su esencia. Por ello, las investigaciones en materia art\u00edstica se orientan, hoy como nunca, hacia el campo sociol\u00f3gico. No obstante, una orientaci\u00f3n de este tipo obliga a plantearnos lo siguiente: o logramos hablar sobre lo que es el arte o nos sometemos a explicaciones determinadas por las condiciones hist\u00f3ricas. Hegel toma en cuenta ambos factores, el hist\u00f3rico y el filos\u00f3fico. Con este antecedente, plantea el car\u00e1cter pret\u00e9rito del arte en un tiempo en el que las obras comienzan a perder su significaci\u00f3n hist\u00f3rica-universal- primera mitad del siglo XIX.<br>\nSe trata de un momento representativo en donde el \u00e9nfasis en la libertad y la innovaci\u00f3n art\u00edstica conducir\u00e1 a romper con la tradici\u00f3n. El artista no creer\u00e1 m\u00e1s en los c\u00e1nones del pasado. Confiar\u00e1 en su genialidad y creatividad. Perder\u00e1 el inter\u00e9s por generar academias o escuelas que den continuidad a t\u00e9cnicas espec\u00edficas. Sus trabajos ser\u00e1n ef\u00edmeros: ni tradici\u00f3n ni progreso. A cambio, la pura inmediatez, la b\u00fasqueda de una identidad propia al interior de la obra. Entonces la cr\u00edtica, habituada a generar simples discursos sobre la historicidad del arte, anuncia la muerte del arte.<\/p>\n<p class=\"subtit\"><strong>EL PRESENTE ART\u00cdSTICO<\/strong><\/p>\n<p>Danto es uno de los fil\u00f3sofos contempor\u00e1neos que ha abordado seriamente la noci\u00f3n del fin o muerte del arte. La ha entendido como un acontecimiento hist\u00f3rico y una noci\u00f3n que da respuestas sobre los \u00faltimos sucesos art\u00edsticos. En su libro Despu\u00e9s del fin del arte, valora la posici\u00f3n hegeliana porque en ella las fronteras entre arte y filosof\u00eda est\u00e1n rotas.<br>\nDanto piensa que las manifestaciones art\u00edsticas nos obligaron a espectadores y, sobre todo, a cr\u00edticos y fil\u00f3sofos a volver nuestra reflexi\u00f3n hacia las obras de arte. Fue el pop-art de Andy Warhol y su exposici\u00f3n de objetos cotidianos \u00e6cajas de cart\u00f3n Brillo, latas de sopa Campbells, etc\u00e9tera\u00e6 lo que puso en crisis la noci\u00f3n de arte y de obra de arte. Cuando objetos de la vida cotidiana se vuelven art\u00edsticos, el fil\u00f3sofo est\u00e1 obligado a hablar sobre ello y su distinci\u00f3n entre arte y realidad se torna m\u00e1s compleja.<br>\nEl historiador del arte ensaya aproximaciones parciales aunque necesarias a la obra de arte. Habla de estilos y t\u00e9cnicas, pero no interpreta las obras con el objeto de preguntarse por la esencia del arte. La Est\u00e9tica y la cr\u00edtica tradicionales tampoco pueden decir nada. Parten del car\u00e1cter representacional de las obras, pero a partir de 1964 los trabajos art\u00edsticos no representan nada de la realidad, sino que son la realidad o se apartan demasiado de ella [3].<br>\nSi bien la tesis de Hegel era meramente especulativa, parece que el tiempo le da la raz\u00f3n. Seg\u00fan Danto, desde los a\u00f1os sesenta estamos comprobando la capacidad prof\u00e9tica del hegelianismo en el terreno art\u00edstico. La revisi\u00f3n hist\u00f3rica del arte, tal como Hegel la presenta, resulta necesaria para cualquier te\u00f3rico del arte: es verdad que la mayor\u00eda de las representaciones y expresiones art\u00edsticas se entienden desde su contexto hist\u00f3rico. Pero tambi\u00e9n es verdad que una lectura puramente hist\u00f3rica o culturalista estar\u00eda incompleta.<br>\nDanto sostiene que, en efecto, estamos viviendo el fin del arte. Pero eso no significa que vaya a dejar de haber piezas art\u00edsticas, sino que llega una nueva fase en el arte, que tiene un car\u00e1cter \u00abposthist\u00f3rico\u00bb. Los fen\u00f3menos art\u00edsticos actuales han mostrado que la Historia del Arte es un camino incompleto para comprender las obras. Aunque hoy como nunca el espectador est\u00e1 llamado a saber Historia del Arte [4], tambi\u00e9n est\u00e1 obligado a acercarse cuidadosamente a las obras de arte actuales e indagar su estructura y significado. Hoy, la percepci\u00f3n est\u00e9tica incita a la interpretaci\u00f3n.<br>\nUn buen cr\u00edtico de arte se ve forzado a interpretar. De ah\u00ed las exigencias, que no son nuevas (Diderot pensaba lo mismo), de aprender Est\u00e9tica Filos\u00f3fica, pues \u00e9sta contribuye a la interpretaci\u00f3n del arte con horizontes de comprensi\u00f3n coherentes y no improvisados.<br>\nBajo estas condiciones se hace posible un acercamiento m\u00e1s completo a las nuevas obras. Indudablemente el arte se vuelve elitista. Quiz\u00e1 no es la mejor opci\u00f3n, por las grandes perspectivas que puede abrir una buena educaci\u00f3n est\u00e9tica al acceso de todos. No obstante, tambi\u00e9n su popularizaci\u00f3n es arriesgada. Han errado quienes han visto en la apreciaci\u00f3n est\u00e9tica un mero divertimento. Se trata de un encuentro con la expresi\u00f3n de lo m\u00e1s \u00edntimo del esp\u00edritu humano. Por ello, el mundo plural y multicultural exige una enorme apertura mental y capacidad para entender a los otros.<br>\nNo es f\u00e1cil, en efecto, analizar el arte del \u00faltimo siglo XX. Algunos lo han intentado con buenos resultados, pero mejorables; por ejemplo, Anna Mar\u00eda Guasch en su estudio titulado El arte del \u00faltimo siglo XX. Del posminimalismo a lo multicultural o Hal Foster en Return of the real. Esta apertura marca un momento inmejorable para el arte: la libertad y el esp\u00edritu creativo no tienen l\u00edmites. Y Danto es acertado al matizar: en efecto, si bien se trata de grandes tiempos para el arte, esto no quiere decir que estemos ante una \u00e9poca de gran arte.<br>\n<strong>\u00bfHAY FUTURO?<\/strong><br>\nLa muerte del arte es, al mismo tiempo, su renacer. La desventaja es que ahora la apreciaci\u00f3n art\u00edstica exige horizontes menos accesibles para el espectador com\u00fan. Este aspecto es, en definitiva, muy cuestionable y en muchas ocasiones poco favorable para los educadores y para el arte mismo. Sin embargo, quienes a\u00fan defendemos un espacio para el arte en nuestra atareada vida cotidiana, hemos de indagar paulatinamente las nuevas posibilidades de creaci\u00f3n art\u00edstica y las maneras de aproximarnos a las obras actuales.<br>\nDanto piensa que el arte ha reorientado su devenir. Ya no se juzga por sus consideraciones formales. Ahora es la manera de expresar demasiadas inquietudes humanas: un mundo inquieto e inestable produce un arte con las mismas caracter\u00edsticas.<br>\nUn acercamiento serio y sin prejuicios a las producciones art\u00edsticas nos dar\u00e1 grandes sorpresas ante obras de creadores como Pollock, Rothko, Duchamp o Beuys, por citar algunos personajes con planteamientos est\u00e9ticos de fondo. No todo es valioso en el arte. En efecto, la inevitable inserci\u00f3n de la mercadotecnia ha fabricado demasiados artistas y obras de arte fraudulentas. Pero tambi\u00e9n para detectarlas ha de aprenderse a reconocerlas, diagnosticarlas y criticarlas.<br>\nEl arte pasa por un momento de estancamiento y es precisamente la exigencia del buen cr\u00edtico la que podr\u00eda reactivar la vitalidad art\u00edstica. La cr\u00edtica hist\u00f3rica y filos\u00f3fica es la \u00fanica capaz de desmentir la popular idea de la muerte del arte. Toca a los cr\u00edticos fomentar el inter\u00e9s y la divulgaci\u00f3n de una actividad tan humana que hoy por hoy se presenta tan herm\u00e9tica.<\/p>\n<p class=\"textogris\">_________________<\/p>\n<p class=\"textogris\">[1] V\u00e9ase Hans BELTING. \u00abThe end of Art\u00bb en The Death of Art. Haren Publishers. New York, 1984.<\/p>\n<p>[2] V\u00e9ase Arthur C. DANTO. After the end of art. Contemporary art and the pale of history. Princeton University Press. New Jersy, 1997<br>\n[3] Parece que con este tipo de trabajos el arte actual tiene un alcance sumamente trivial el mismo que el de la despensa de la casa o los\u00a0rayones sin significado y, sin embargo, Danto las plantea como \u00abpiezas de filosof\u00eda escenificadas\u00bb.<br>\n[4] Vale la pena revelarse, como lo hace Danto, contra los espectadores ignorantes, pero defensores del car\u00e1cter intemporal\u00a0de las obras de arte actual, que argumentan la suficiencia de la fuerza expresiva inmediata de la obra. \u00c9sta existe indudablemente, pero tambi\u00e9n es cierto, como lo notan Hegel y Danto, que el arte es marcado por condiciones hist\u00f3ricas que influyen tanto en su creaci\u00f3n como en su valoraci\u00f3n.<\/p>\n<\/body><button class=\"simplefavorite-button has-count\" data-postid=\"26017\" data-siteid=\"1\" data-groupid=\"1\" data-favoritecount=\"0\" style=\"\">Leer despu\u00e9s <i class=\"sf-icon-star-empty\"><\/i><span class=\"simplefavorite-button-count\" style=\"\">0<\/span><\/button>","protected":false},"excerpt":{"rendered":"<p>En esta &eacute;poca de ferviente producci&oacute;n art&iacute;stica, tan variada como incomprensible, hay un vac&iacute;o respecto a qu&eacute; es arte y qu&eacute; no. &iquest;Acaso la evoluci&oacute;n social y art&iacute;stica ha llegado a un callej&oacute;n sin salida, donde las nuevas propuestas ya no pueden decir nada a la humanidad? 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