{"id":23817,"date":"1998-09-01T00:00:00","date_gmt":"1998-09-01T00:00:00","guid":{"rendered":"http:\/\/192.168.1.157\/istmo\/?p=23817"},"modified":"2023-11-04T14:21:05","modified_gmt":"2023-11-04T19:21:05","slug":"cannes_98__decepciones_sonrisas_y_lagrimas","status":"publish","type":"post","link":"https:\/\/dim-id.com\/pruebaentradas2023\/1998\/09\/01\/cannes_98__decepciones_sonrisas_y_lagrimas\/","title":{"rendered":"Cannes 98 Decepciones, sonrisas y l\u00e1grimas"},"content":{"rendered":"<button class=\"simplefavorite-button has-count\" data-postid=\"23817\" data-siteid=\"1\" data-groupid=\"1\" data-favoritecount=\"0\" style=\"\">Leer despu\u00e9s <i class=\"sf-icon-star-empty\"><\/i><span class=\"simplefavorite-button-count\" style=\"\">0<\/span><\/button><body><p>Si cada Festival guarda para la posteridad una imagen, el 51 Festival Internacional del Film de Cannes seguramente conservar\u00e1 la de Roberto Benigni saltando de alegr\u00eda o postrado ante Martin Scorsese, presidente del jurado, despu\u00e9s de anunciar el premio que coronaba \u00abLa vita e bella\u00bb Gran Premio de Cannes 98. Minutos m\u00e1s tarde se anunciaba la Palma de Oro, otorgada por unanimidad y merecidamente a \u00abLa eternidad y un d\u00eda\u00bb con la que Theo Angelopoulos\u00b8 rebosante de calma, obten\u00eda al fin el reconocimiento a su talento.<br>\nAunque no hayan faltado obras de calidad, es preciso reconocer que la selecci\u00f3n de este a\u00f1o no era especialmente brillante. Como si el Festival, cada vez m\u00e1s encerrado en una \u00f3ptica de \u00abcine de autor\u00bb, se negara a admitir que ese cine est\u00e1 en crisis y que el relevo de los grandes Fellini, Bergman, Antonioni, Bu\u00f1uel, Visconti\u2026 no tiene lugar todav\u00eda.<br>\nLa exigencia de calidad, l\u00f3gica en un Festival, se confunde con un g\u00e9nero de cine determinado, sin duda interesante, pero que no agota la realidad cinematogr\u00e1fica y, sobre todo, que no ha producido en los \u00faltimos meses obras capitales.<\/p>\n<p class=\"subtit\"><strong>Un gigantismo que se acent\u00faa<\/strong><\/p>\n<p>En cuanto al certamen en general, Cannes sigue estando enfermo de gigantismo. La multiplicidad de secciones, los Festivales paralelos, las presentaciones excepcionales, todo ello aumenta peligrosamente el n\u00famero de proyecciones.<br>\nA nivel de organizaci\u00f3n, se realiza un esfuerzo real para facilitar el trabajo de la cr\u00edtica. Pero la cuesti\u00f3n s\u00f3lo estar\u00e1 definitivamente resuelta el d\u00eda en que el Palacio de los Festivales cuente con una nueva sala de gran capacidad que deber\u00e1 construirse en los pr\u00f3ximos dos a\u00f1os. Tambi\u00e9n parece deseable limitar el n\u00famero de obras presentadas (pod\u00edan contarse cerca de sesenta, adem\u00e1s de las sesiones especiales, Un certain regard, treinta m\u00e1s en la Semana de la cr\u00edtica y en la Quincena de los realizadores), para revalorizar la idea de selecci\u00f3n. Por lo dem\u00e1s, ser\u00e1 preciso resignarse al aspecto multitudinario del certamen. El \u00e9xito indudable del Festival, como cita del cine del mundo, es la causa de la afluencia r\u00e9cord de profesionales y curiosos. Y en \u00faltimo t\u00e9rmino, quienes se agolpan para presenciar la mont\u00e9e des march\u00e9s son el mejor testimonio de que el cine sigue siendo un arte popular.<\/p>\n<p class=\"subtit\"><strong>Los grandes temas<\/strong><\/p>\n<p>\u00bfArte popular? Esta afirmaci\u00f3n parece ilusoria si consideramos las pel\u00edculas en competici\u00f3n. \u00bfDe que nos hablan? Estar\u00edamos tentados a responder que de las desdichas del mundo.<br>\nEn el cap\u00edtulo social entran sin duda las obras de V\u00edctor Gaviria y Ken Loach. El primero con \u00abLa vendedora de rosas\u00bb aborda nuevamente el tema de la juventud perdida: la v\u00edspera de Navidad un grupo de j\u00f3venes, reci\u00e9n salidos de la infancia, se topan fatalmente con un destino tr\u00e1gico. La pel\u00edcula posee un estilo brillante y una indudable preocupaci\u00f3n est\u00e9tica que no perjudica en absoluto el car\u00e1cter de denuncia de su obra.<br>\nKen Loach retorna a Glasgow con \u00abMy name is Joe\u00bb. Joe (Peter Mullan, consagrado como mejor actor), antiguo alcoh\u00f3lico y desempleado, ocupa sus energ\u00edas como entrenador de un equipo de futbol compuesto por j\u00f3venes que sufren las consecuencias de la crisis econ\u00f3mica y moral de la regi\u00f3n. Joe saldr\u00e1 de la legalidad para ayudar a uno de sus jugadores, pero todo ser\u00e1 en vano y terminar\u00e1 en un suicidio que pretende poseer car\u00e1cter de sacrificio. Una vez m\u00e1s, Loach defiende una causa, salvando todo el car\u00e1cter humano de sus personajes.<br>\n\u00abThe General\u00bb de John Boorman (premio a la mejor direcci\u00f3n), cuenta las aventuras de Martin Cahill (Brendan Greeson), c\u00e9lebre criminal de Dubl\u00edn, especie de Robin Hood moderno, finalmente liquidado por el IRA. Rodada en blanco y negro, y de forma sumamente cl\u00e1sica, la pel\u00edcula ofrece una visi\u00f3n original de la crisis irlandesa, incluso si el personaje central no posee la envergadura necesaria para hacer de \u00e9l un h\u00e9roe.<\/p>\n<p class=\"subtit\"><strong>Variedad pol\u00edtica<\/strong><\/p>\n<p>Con la desaparici\u00f3n del bloque comunista, Cannes se libra de obras ideol\u00f3gicas que en el pasado constitu\u00edan una parte de las cintas venidas del Este. La pol\u00edtica se represent\u00f3, sin embargo, por dos obras que corresponden a preocupaciones diferentes. S\u00f3lo Cannes permite comentar \u00abPrimary Colors\u00bb de Mike Nichols junto a \u00abKhroustaliov, mi coche\u00bb de Alexei Guerman.<br>\nNichols adapta un bestseller inspirado en Bill Clinton (protagonizado por John Travolta). La pel\u00edcula, dulcificada respecto al libro, ofrece un buen an\u00e1lisis de los affaires de la vida pol\u00edtica norteamericana. Con un elenco de primer orden Emma Thompson, Kathy Bates, Adrian Lester, etc\u00e9tera la cinta no llega a una conclusi\u00f3n demasiado pesimista: la democracia es el menos malo de los sistemas pol\u00edticos posibles y la lucha despiadada por el poder ser\u00e1 una especie de \u00abselecci\u00f3n natural\u00bb en que el elegido ser\u00e1 el menos malo de los candidatos posibles.<br>\nFrente a la pel\u00edcula norteamericana, interesante y divertida, la obra monumental de Alexei Guerman es un film m\u00edtico cuyo proyecto existe desde hace diez a\u00f1os. Se trata de un cine de autor mal digerido por su extraordinario hermetismo. La mitad de los periodistas abandonaron la sala y quienes se quedaron al final confesaban no haberlo comprendido. Se trata de una cr\u00edtica al stalinismo que pierde toda su eficacia como documento pol\u00edtico y casi su inter\u00e9s cinematogr\u00e1fico que con una mayor claridad hubiera sido grande, pues Guerman es capaz de crear un mundo fascinante con sus im\u00e1genes.<\/p>\n<p class=\"subtit\"><strong>Comedias italianas<\/strong><\/p>\n<p>\u00abLa vita e bella\u00bb es una cinta pensada para el p\u00fablico. En Italia, Roberto Benigni es considerado una especie de Chaplin y este \u00faltimo parentesco es m\u00e1s evidente cuando nos habla de su h\u00e9roe, Guido, modesto camarero jud\u00edo y su familia. Se trata de un relato del fascismo y el antisemitismo en tono de comedia, aunque al final de la pel\u00edcula la emoci\u00f3n es m\u00e1s fuerte que la comedia: Guido y su familia son deportados a un campo de concentraci\u00f3n. Guido explica a su hijo que todo lo que pasa ah\u00ed es simplemente un juego en el que ellos deben participar ganando puntos, si obtienen cierto n\u00famero, el premio ser\u00e1 la llegada de un tanque. El tanque llega al fin en el momento de la liberaci\u00f3n, cuando ya han matado a Guido. Algunos medios de comunicaci\u00f3n jud\u00edos atacaron el film considerando que el tema no admit\u00eda un tratamiento ligero. Sea como fuere, ello no impide se\u00f1alar que Benigni ha realizado, hasta el momento, su mejor pel\u00edcula y sin duda la m\u00e1s ambiciosa.<br>\nEn \u00abAprile\u00bb, Nanni Moretti narra los avatares electorales de su pa\u00eds en los \u00faltimos cuatro a\u00f1os con una obra divertida gracias a la fuerte personalidad de su autor que hace gala, como siempre, de su egocentrismo exacerbado: una reflexi\u00f3n personal en la que sigue ocup\u00e1ndose de pol\u00edtica pero s\u00f3lo para decirnos que \u00e9sta ocupa un lugar secundario en la vida de los hombres.<\/p>\n<p class=\"subtit\"><strong>El vanguardismo del Grupo Dogma y los excesos ingleses<\/strong><\/p>\n<p>Los daneses del Grupo Dogma Lars Von Trier y Thomas Vintenberg pueden pasar hoy por vanguardistas del S\u00e9ptimo Arte. Su grupo se compromete a rodar con ciertas exigencias: decorados reales, sin accesorios, sonido directo, c\u00e1mara al hombro, nada de filtros ni efectos especiales. Su carta magna que califican de \u00abvoto de castidad\u00bb tiene el aire de un texto humor\u00edstico. En todo caso, \u00abIdioterne\u00bb de Lars Von Trier ha fracasado. Una especie de happening organizado por un grupo de j\u00f3venes que juegan a los enfermos mentales con escenas que rozan la pornograf\u00eda, buscando inventar todas las formas de la idiotez. Una cinta incomprensible en sus intenciones, confusa en su desarrollo, incierta en sus resultados.<br>\n\u00abFesten\u00bb de Thomas Vintenberg retrata una fiesta familiar en la que pronto se instala el drama. El jefe de la familia, Helge, cumple sesenta a\u00f1os y re\u00fane a sus hijos. El conflicto estalla cuando, en un brindis, uno de ellos acusa a su padre del suicidio de su hermana por haber abusado sexualmente de ella y de \u00e9l siendo ni\u00f1os. Este tema explosivo se trata magistralmente. La pel\u00edcula podr\u00eda considerarse una condena extrema a la \u00abliberaci\u00f3n sexual\u00bb impuesta en Occidente en la \u00e9poca en que los personajes de la pel\u00edcula fueron v\u00edctimas del incesto.<br>\nLa cinta de Terry Gilliam, \u00abFear and Loathing in Las Vegas\u00bb cuenta los estragos de la droga sobre dos individuos, un periodista (Johnny Deep) y su abogado (Benicio del Toro). Las situaciones son repetitivas y los personajes tratados como marionetas sin la menor consistencia humana. Si Gilliam buscaba denunciar los efectos sociales de la droga lo que parece deducirse por un comentario final su intento es ineficaz en la medida en que sus modelos no son capaces de inspirar ni siquiera sentimientos de compasi\u00f3n.<br>\nTodd Haynes en \u00abVelvet Goldmine\u00bb narra los fen\u00f3menos conexos al glam rock (cruce del rock underground norteamericano y la m\u00fasica pop inglesa) con vedettes que hac\u00edan gala de su bisexualidad manifestada en su aspecto andr\u00f3gino. El espectador normal, en todos los sentidos del t\u00e9rmino, dif\u00edcilmente sentir\u00e1 simpat\u00eda por unos personajes que aparecen como ejemplos de diversas formas de perversi\u00f3n sexual. Basado en la explotaci\u00f3n de la m\u00fasica lo que explica el modesto premio a la contribuci\u00f3n art\u00edstica y en la provocaci\u00f3n in\u00fatil, la pel\u00edcula no va m\u00e1s all\u00e1 de un largo videoclip.<\/p>\n<p class=\"subtit\"><strong>Presencia oriental<\/strong><\/p>\n<p>Desde hace algunos a\u00f1os, las pel\u00edculas de extremo Oriente no faltan a la cita del Festival. Tsai Ming-liang es un especialista de la incomunicabilidad expresada especialmente en las grandes ciudades. En \u00abEl agujero\u00bb la acci\u00f3n transcurre en Taipei. El brote de una epidemia obliga a las autoridades a evacuar un barrio, pero hay quienes se niegan a partir. As\u00ed sucede en un inmueble modesto donde el hombre del piso de arriba y la mujer del piso de abajo se limitan a compartir un agujero entre los dos pisos. Este agujero ser\u00e1, en cierto sentido, s\u00edmbolo de la comunicaci\u00f3n imperfecta y, en \u00faltimo t\u00e9rmino, imposible. Aunque la idea es original, la acci\u00f3n es est\u00e1tica y casi sin di\u00e1logos, alternados \u00e9stos con canciones populares de Hong Kong. Es evidente que esta cinta no har\u00e1 volver las masas al cine.<br>\nHou Hsiao-hsien describe en \u00abLa flores de Shanghai\u00bb los problemas humanos que existen en el interior de una casa de prostituci\u00f3n situada en el enclave ingl\u00e9s de Shanghai. Se trata de una larga sucesi\u00f3n de escenas, en que la c\u00e1mara barre un espacio de noventa grados representando a una serie de personajes sentados en torno a una mesa. Una pel\u00edcula de dif\u00edcil acceso a un p\u00fablico occidental, pero que ilustra perfectamente un aspecto de la cultura china, todo ello a trav\u00e9s de im\u00e1genes de extraordinaria belleza.<\/p>\n<p class=\"subtit\"><strong>Pel\u00edculas \u00abinclasificables\u00bb<\/strong><\/p>\n<p>Tuccio (el actor-director John Turturro) es el autor de una obra \u00abIlluminata\u00bb que debe interpretar su esposa, la diva de la compa\u00f1\u00eda, pero los propietarios del teatro no est\u00e1n seguros del \u00e9xito. Tuccio har\u00e1 todo lo posible, incluso acciones no limpias, para que su obra sea montada: se trata de una prueba de amor hacia su esposa. Lo importante aqu\u00ed es el paralelo entre teatro y vida. Por momentos farragosa, con digresiones in\u00fatiles, la cinta termina mejor de lo previsto. Un homenaje sincero al teatro de parte de un hombre enamorado del cine y del teatro.<br>\n\u00abHenry Fool\u00bb es una cinta sobre un bohemio que escribe, seg\u00fan \u00e9l, una obra genial. Impulsa al barrendero Simon, un joven con aire de retrasado mental, a escribir tambi\u00e9n; los poemas de Simon alcanzar\u00e1n un \u00e9xito fulgurante e incluso el Nobel, mientras que la obra de Henry se considerar\u00e1 mediocre. Simon enviar\u00e1 a Henry a Estocolmo para recibir el Nobel. El director de la cinta, Hal Hartley, habla en ella de amistad, amor, creaci\u00f3n literaria y notoriedad. Sin embargo, todo ello es demasiado esquem\u00e1tico, perjudicando la credibilidad de sus personajes en aras de la originalidad cinematogr\u00e1fica.<br>\nA medio camino entre la autobiograf\u00eda y la ficci\u00f3n se sit\u00faa \u00abCoraz\u00f3n iluminado\u00bb del argentino H\u00e9ctor Babenco. Un hombre vuelve a la ciudad de su adolescencia despu\u00e9s de veinte a\u00f1os, evoca sus amores con una joven desequilibrada y se envuelve en una nueva aventura que remite a la antigua. Nada es plenamente convincente en esta pel\u00edcula que posee, sin embargo, el sello de la autenticidad.<br>\nLa sinceridad es tambi\u00e9n la marca de \u00abDance to my Song\u00bb del australiano Rolf de Heer. El Festival guardar\u00e1 el recuerdo del director llevando en sus brazos a su int\u00e9rprete y guionista, Heather Rose. Con una grave lesi\u00f3n cerebral y condenada a vivir en silla de ruedas, Heather en colaboraci\u00f3n con Frederick Stahl, otro enfermo, escribe la historia de Julia encerrada en su handicap f\u00edsico que encuentra en su camino un hombre con el que conocer\u00e1 el amor. Casi un cuento de hadas, la historia defiende las cualidades del coraz\u00f3n frente a la sola belleza f\u00edsica. Las im\u00e1genes son fuertes y en ning\u00fan caso dejan indiferente al espectador. Sin embargo, la narraci\u00f3n es en buena parte insostenible al igual que la historia de amor, de la que puede admitirse su car\u00e1cter simb\u00f3lico.<\/p>\n<p class=\"subtit\"><strong>Selecci\u00f3n francesa<\/strong><\/p>\n<p>Las pel\u00edculas francesas presentaron este a\u00f1o cuestiones relativas a la crisis moral. La m\u00e1s curiosa es quiz\u00e1 \u00abLa classe de neige\u00bb de Claude Miller, que aborda la pedofilia criminal. No hay en la pel\u00edcula ninguna imagen referente directamente a ello. El padre de Nicolas (Cl\u00e9ment Van Den Bergh), un ni\u00f1o de o\u00adnce a\u00f1os, cuenta a su hijo, para protegerlo, c\u00f3mo algunos peque\u00f1os son v\u00edctimas del tr\u00e1fico de \u00f3rganos despu\u00e9s descubriremos que el padre asesin\u00f3 a un ni\u00f1o. Nicolas edifica una historia basada en pesadillas y angustias que desconciertan a todos a su alrededor. La pel\u00edcula conduce estos sue\u00f1os horribles a una realidad que ser\u00e1 al final m\u00e1s terrible todav\u00eda, pero esta \u00faltima tratada de forma sumamente el\u00edptica.<br>\n\u00abLecole de la chair\u00bb de Benoit Jacquot se sit\u00faa en la Francia actual. Dominique (Isabelle Huppert), una mujer rica, se hace amante de Quetin (Vicent Martinez), m\u00e1s joven y de clase social inferior. Pero \u00e9l amante a su vez de un abogado encuentra a una muchacha de su edad con la que desea casarse. Los amantes terminan por separarse y se encontrar\u00e1n a\u00f1os m\u00e1s tarde. El reproche a la cinta es el escaso inter\u00e9s humano que despierta su protagonista, v\u00edctima de una pasi\u00f3n f\u00edsica tard\u00eda, frente a un individuo que ha perdido referencia moral aunque aspire a la vida normal a la que finalmente acceder\u00e1. Correctamente filmada y con una relativa discreci\u00f3n en las im\u00e1genes, la pel\u00edcula pas\u00f3 casi inadvertida.<br>\nDel lado de \u00abCeux qui maiment prendront le train\u00bb la confusi\u00f3n de sentimientos es a\u00fan mayor. Un importante n\u00famero de personas toman el tren en Par\u00eds para asistir al entierro de un famoso y seductor pintor homosexual. Se trata de antiguos amantes del muerto que viajan con sus respectivas esposas y parientes. Con indudable maestr\u00eda, Patricie Ch\u00e9reau conduce un relato agitado y lleno de confusi\u00f3n que pretend\u00eda sorprender en Cannes por la calidad de su pel\u00edcula y la audacia de sus im\u00e1genes. Pero hoy la sorpresa en este terreno es improbable. Ch\u00e9reau confunde \u00absu mundo\u00bb con el mundo en general.<br>\nLa renovaci\u00f3n del cine franc\u00e9s estuvo representada por una primera pel\u00edcula, \u00abLa vie r\u00eav\u00e9e des anges\u00bb de Erick Zoncka, que se revela como un fino observador del comportamiento humano. Dos muchachas, Isa (Elodie Bouchez) y Marie (Natacha Regnier), se conocen en Lille y comparten un departamento mientras su propietaria, una joven de su misma edad, se encuentra en coma profundo. Sus concepciones de vida difieren: mientras Isa tratar\u00e1 de ayudar a la enferma, Marie vivir\u00e1 una aventura con un joven profundamente ego\u00edsta. El premio de interpretaci\u00f3n femenina, otorgado ex-aequo a las dos actrices es un reconocimiento indirecto al trabajo de Zonka.<\/p>\n<p class=\"subtit\"><strong>Palma de Oro<\/strong><\/p>\n<p>Theo Angelopoulos, como en otros tiempos Andrej Wajda, obtuvo al fin la Palma de Oro que se le escapaba inexplicablemente en 1995 en que present\u00f3 \u00abLa mirada de Ulises\u00bb que es, quiz\u00e1, su mejor film. \u00abLa eternidad y un d\u00eda\u00bb no desmerece en absoluto de su anterior pel\u00edcula, es de la misma vena y tal vez a\u00fan m\u00e1s personal al abordar el tema del balance de una vida. El gui\u00f3n escrito con su c\u00f3mplice de siempre, Tonino Guerra habla de la creaci\u00f3n art\u00edstica, el compromiso pol\u00edtico y la solidaridad mundial (refugiados, incomunicaci\u00f3n, fronteras\u2026). Todo ello tamizado por los recuerdos personales, los pesares m\u00e1s \u00edntimos que producen las ocasiones perdidas, el no haber sabido dar a los otros todo el amor que merec\u00edan.<br>\nComo en \u00abLa mirada de Ulises\u00bb, un artista, en este caso un escritor, Alexandre (Bruno Ganz), se interroga sobre su vida. En v\u00edsperas de entrar al hospital del que probablemente no saldr\u00e1, intenta visitar a su madre y a su hija, y encuentra tambi\u00e9n una carta de su desaparecida esposa. Pero no s\u00f3lo el pasado retiene su atenci\u00f3n, recoge en su coche a un ni\u00f1o, solitario refugiado alban\u00e9s, que est\u00e1 a punto de ser detenido por la polic\u00eda. No se trata de un gesto pol\u00edtico sino de simple solidaridad humana. Por este gesto, la llama de la vida continuar\u00e1 brillando para el escritor.<br>\nPel\u00edcula de madurez, serenidad y melancol\u00eda. El empleo de un lenguaje cinematogr\u00e1fico m\u00e1s depurado, har\u00e1 m\u00e1s asequible la obra. El ritmo sigue siendo pausado, la voluntad de \u00abfilmar de otra manera\u00bb evidente, pero se ha abandonado la lentitud exasperante de otras obras, como si Angelopoulos hubiera encontrado el equilibrio entre sus exigencias de esteta y su preocupaci\u00f3n por transmitir un mensaje. El cine se hace para compartir una emoci\u00f3n con el p\u00fablico, para obligarle a reflexionar. \u00abLa eternidad y un d\u00eda\u00bb es una obra que resonar\u00e1 largamente en la sensibilidad del espectador descubriendo, para cada uno, cosas distintas.<\/p>\n<\/body><button class=\"simplefavorite-button has-count\" data-postid=\"23817\" data-siteid=\"1\" data-groupid=\"1\" data-favoritecount=\"0\" style=\"\">Leer despu\u00e9s <i class=\"sf-icon-star-empty\"><\/i><span class=\"simplefavorite-button-count\" style=\"\">0<\/span><\/button>","protected":false},"excerpt":{"rendered":"<p>Como cada a&ntilde;o, el festival de festivales, recorre las inquietudes y anhelos de la cinematograf&iacute;a mundial. 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